4ヶ月、3週と2日 （Part 2 監督インタビューより）

ウェブサイト、The FILMMAKERに監督の当時のインタビューが載っていたので、一部を抜粋する。
http://filmmakermagazine.com/archives/issues/winter2008/4months.php#.V8FDPZiLS00

●映画製作に関して
「人は決断を下すとき、必ずしも理性的ではありません。彼らはただ、決断を下すのです。それが人生というものです。(…)これはフィクションにおいても同様です。」

People aren‘t necessarily very rational when they make decisions. They just decide. And this is how life goes. (…) This belongs to structuring, to fiction, to narration, to another kind of process. 

「映画をつくる際、私はテーマやメッセージからはスタートしません。もしそうすれば、それはただのデモンストレーションになってしまうからです。私はまず、多くの議論を惹起するような、重層的なシチュエーションを探します。」

「私にとってこの映画は責任と決断、そして成長することについての映画です。しかしこのテーマが初めからあるわけではありません」

 I try not to start with a theme or a message, because then it is just going to be a demonstration, and I think it‘s not good for the film. I try to do something else: I try to pick a relevant situation that I think will have enough layers to talk about many [issues].

For me, it speaks about responsibilities and decision-making and about growing up. But you don‘t start [with this in mind]. 

●本作について

（軍隊や警察が登場するわけでもなく、またチャウセスクについては一度も言及されていないにもかかわらず、この映画には抑圧的な空気があるとの指摘について）

「まさしくそれが共産主義政権下での最も耐え難いことでした。そしてそれを現代において表現するのがとても難しかった。そこら中に閉塞感が蔓延り、人々は幸福ではなかったのです。別に逮捕されるわけでもなく、特殊なことが起きたわけでもありませんでしたが、とても生きづらかったのです。」

This was the unbearable part of [living under Communism]. And the difficult part of making a period piece now was to render this thing that was very imprecise. It was a general pressure. People were not happy — they weren‘t arrested and nothing specifically was happening to them, but still it was very difficult.

「本作は、『会話の途中』から始まります。本作では見せていませんが、この会話がとても重要なのです。また、本作は『身振りの途中』で終わります。」

 I opened 4 Weeks in the middle of a conversation — which is essential for me, though I don‘t show it — and I stop the film in the middle of a gesture.

「正しいカメラの位置を見つけることに努めました。それは、観客が画面外でも何かが起きていることを認識しながら事態を見つめることができるようなカメラの位置です。」

The effort was to find the right position of the camera from where you could watch the situation, knowing that some part of it was going to be off-camera. We hoped to render the feeling that this is just a slice of life, that the story is much greater than what we show.

「撮影前にはホテルでのシーンをリハーサルする時間しかありませんでしたが、（それで十分でした。なぜなら）このシーンさえうまくいけば、映画は成功するとわかってしました。」

I only had time to rehearse the hotel scene before the shooting. I knew that if that scene works, the film is going to be [good].

●独裁政権崩壊後のルーマニアについて

「人々は自由をどう行使してよいかわからなかったのです。崩壊後にシステムを立て直していった時期はとても奇妙でした。これには17年間かかりました。」

People didn‘t really know how to use their freedom. It was a strange period in terms of rearranging the system of financing, passing from a state-based rule system to a new one, and this lasted 17 years. 

「2000年はルーマニアにおける産業ゼロ年です。映画は1本もつくられていませんでした。そして、少しずつつくられるようになっていったのです。」

 The year 2000 was the zero year of the industry in Romania. No film was produced. Then, little by little, this started to work a bit —

4ヶ月、3週と2日 (part 1)

監督：クリスチャン・ムンジウ

数年ぶりに見直して、圧倒的力強さに打ちのめされた。
『汚れなき祈り』は劇場で見て、2時間半にわたって全く飽きないにもかかわらず、いまいちピンと来なかったのだが、今が見直し時かもしれない。
ちなみに、新作はGraduationで、これまた傑作の予感。
https://www.youtube.com/watch?v=VimmuogOOks

さて、『4ヶ月、3週と2日』。

冒頭のシーンですでに決定的なのだが、オティリアは動き回る女性であり、対するガビツァは動かない女性である。ファーストショットで、画面の内外を出たり入ったりするオティリアとあくまで画面内で事を成すガビツァが対比されている。これは映画の本題において改めて確認される。つまり、中絶処置としてプローブを挿入されたガビツァは動かないことを命じられる。

オティリアの方は、ホテルの予約や闇医者との面会、恋人の家でのパーティへの参加など、街中を歩き回っては仕事をしていく。行動的なオティリアは自分で行動しないガビツァへのいらだちを隠さない。

このオティリアのいら立ちと、にもかかわらず助けることを全く躊躇わないこと、という情動と行動の静かな対立が、本作のもつ”圧倒的な力強さ”の元になっている。

さて、この二人の対比は、特定の場面においては抑制される。その一つがホテルの一室で男性中絶医とオティリア、ガビツァの二人が会するシーンだ。ここでは（直前の車内のシーンが効いているのだが）あのとにかく動き回るオティリアもまた、闇医者の圧倒的威圧感の前に「動けなく」なってしまう。

二人の女性は一人の絶対的支配権を持った男性医師を前にしては、「動けない女性」として共通項で結ばれる。(二人の共通項という点でいえば、浴室に逃げ込んで水を流す、という行為もまた彼女たちを結び付けている。)

それにしてもこの闇医者の、空間を支配する力、その見せ方が凄い。パルムドールはこのシーンにこそ贈られたのではないかと思われるが、もちろん映画はこの男性医師の性的優位性による治療とハラスメントの近似性をこそ告発しているのだが、演じるヴラド・イヴァノフがまさに怪演であり、『ヒストリー・オブ・バイオレンス』におけるウィリアム・ハートのように短時間で映画をわが物にしている感がある。

質問=問診により相手を執拗に追い込んでいき、触診により体を硬直させ、指示という名の命令を下し、最後は優しい言葉をかけて去っていく様は、医師という権力者を過激に表象している。この「闇医者」は全くもって「プロフェッショナル」である。そのことが恐ろしい。

そしてその権力の濫用の犠牲者としてオティリアが描かれる。

要約すると、冒頭から強調され、感情的対立の元ともなっている二人の女性の違い、行動する女性と行動しない女性の対比は、一人の男性の存在によって強制的に無効化され、その無効化という暴力が二人の女性を逆説的に、悲しいほどに結び付ける。そのような映画として見ることができるだろう。

そしてもちろん、このホテルでのシーンの直後に恋人の家でのパーティのシーンがあり、ここでもオティリアは動くことも喋ることもできず、体を硬直させることしかできない。

映画はオティリアとガビツァのシーン→オティリアのシーン→オティリアとガビツァのシーン→・・という反復的な構造をとり、その都度オティリアとガビツァの関係性の微細な変化を克明に描写していく。この曖昧な終わり方も、この二人がこのあとどういった関係性になるのか(どうなるのか？という劇的／直接的な意味ではなく、あくまでどのような関係性に至るのか)を観客に想像させるものとして機能している。

カメラワークについて。

手持ちによるパンのようなカメラワークで人物(アナマリア・マリンカ＝オティリア)の歩く姿を追うが、あまり深追いせず遠景ショットに移行するものが散見される。

オティリアが恋人の家を出て、タクシーを追いかけるも行ってしまい、そのまま嘔吐してしまうシーンなどが代表的で、その最終的な構図、画面の強度が素晴らしい。

映画には様々なカメラワークがあり、にもかかわらず現代においても「正統な」カメラワークについての議論は絶えず、またこれぞ正統なカメラワークと思わずにはいられない作品も多々あるが、この映画のこのカメラの動き、リズムの心地よさ、絶妙な距離感には感動する。映像があふれる現代において、このカメラワークとの出会いは、個人的には決定的だった。

ファーストショットの、机の上に並べられた雑貨からスタートして、3段階にカメラが遠ざかっていき、空間が広がっていく仕掛けが見事だ。灰皿に置かれたタバコを手にとることで始まるカッチョ良さ。